365_Isolated. Ausstellung in der ARTE SPAZIO TEMPO GALLERIA D’ARTE.
Roberto Litta präsentiert das Werk 365_Isolated von Angela May während der Ausstellung in Venedig in der Galerie Artespaziotempo vom 6. bis 16. Dezember 2025. 

Transkript des Videos: https://www.youtube.com/watch?v=sCtjCVpm4eI

Hier gibt es sehr viel Technik, denn was ihr auf den ersten Blick homogen seht – aus der Distanz oder auf einem Foto – ist in Wirklichkeit fast eine Miniaturarbeit. Es geht darum, im Detail zu arbeiten, diese Elemente einzeln zu platzieren. Es ist eine Arbeit, die Stück für Stück in einem allgemeinen Bedeutungszusammenhang entsteht. Welches ist die Bedeutung, die ich darin gefunden habe? Dass wir heute Gefangene sind. Wir denken oft, in einem Gefängnis zu sein, aber dieses Gefängnis ist nicht nur durch äußere Umstände bedingt. Es sind vielmehr die Zeiten, die uns ein Gefängnis bauen.

Ich habe heute mit Künstlern darüber gesprochen: Welches Gefängnis wird heute gebaut? Es ist das Gefühl, nicht ausreichend zu sein. Du sprichst vier Sprachen? Man sollte mindestens acht sprechen. Du hast ein Auto mit fünf Sitzen? Man braucht das Superauto. Dein Handy ist alt? Nein, es gibt das neueste iPhone, das vor sechs Stunden erschienen ist. Und das Schlimmste: den Menschen das Gefühl zu geben, körperlich nicht zu genügen. Ich habe es euch gestern gesagt: Jeder Mensch ist außergewöhnlich. Jeder von euch, der die Möglichkeit hatte, als Mensch geboren zu werden, sollte sich der Außergewöhnlichkeit der menschlichen Erfahrung bewusst sein. Stattdessen gibt es diese Modelle, diese neuen Gefängnisse. Alle müssen dünn sein, alle müssen in Form sein, alle müssen diesen Normen entsprechen. Die Mädchen müssen so sein, die Männer müssen so sein.

Hier kommt die Lehre von Montale ins Spiel. Montale hatte die Fähigkeit, die Seele der Menschen zu erkennen, sich für das Innere der Menschen zu interessieren. Nicht umsonst gewann er den Nobelpreis. Er sagte: Wenn ihr euch Paradigmen gebt, gebt ihr euch selbst Grenzen. Ein einfaches Beispiel: Wenn ich sage, mir sind nur dünne Menschen sympathisch, entgehen mir all die Menschen, die ein paar Kilo mehr wiegen, unter denen wundervolle Seelen sein können, Menschen, die mich bereichern und mir viel erzählen könnten. Viele dieser Gefängnisse werden von der Gesellschaft gebaut, andere – leider – bauen wir uns selbst. Aber es ist ein sehr, sehr interessantes Thema.

Ich versuche zu übersetzen. Zuerst: sehr gute Technik, wirklich sehr gut. Du musst mit dieser Technik weitermachen. Diese Botschaft ist wie ein Gefängnis, aber es gibt zwei Arten von Gefängnissen: das private Gefängnis, wenn du denkst, dass deine eigenen Probleme zu Grenzen werden, was sehr gefährlich ist, und die Grenzen der heutigen Gesellschaft. Man will wie ein Bild sein und nicht wie die Realität. Für mich ist das eine sehr gute Arbeit, sehr gut für deine Erfahrung, genannt Isolated, isoliert, wie isolierte Menschen. Wir leben in großen Städten, aber die Menschen sind isoliert, wir fühlen uns allein. Vielen Dank.

Aktuell

Zusammenfassung

Kunstkritikerinnen und Kuratorinnen beschreiben Angela Mays Werke als eine kraftvolle Verbindung aus Emotion, Textur und innerer Transformation. Ihre Kunst mache sichtbar, was häufig verborgen bleibt: innere Landschaften, tiefe Gefühlszustände und die stillen Brüche der menschlichen Seele.

Mit ihren geschichteten Mixed-Media-Oberflächen, intensiven Farben und starken Kontrasten erschafft May Werke, die zwischen Chaos und Schönheit, Stille und Explosion balancieren. Viele Stimmen betonen ihre Fähigkeit, komplexe Emotionen in haptische und visuelle Erfahrungen zu übersetzen, die zum Innehalten und zur Selbstreflexion einladen.

Kritiken und kuratorische Stimmen

Kurator*innen sehen in Mays Kunst einen Dialog zwischen Materie und Geist – eine Kunst, die Transformation und Verletzlichkeit erfahrbar macht. Die Künstlerin sei tief in der spanischen Kultur verwurzelt. Dies zeige sich in den Licht- und Farbwelten, die zentrale Inspirationen ihrer Serien sind:

• Ocean in motion – emotionale Meereslandschaften
• NatureArt – Naturfragmente in erdigen Acrylschichten
• Emotionen – schwebende Farbklänge
• Verlorene Orte – Melancholie mit einem leisen Licht
• Trauma – psychische Wunden und innere Fragmentierung
• Entwicklung & Transformation – farbintensiver Wandel

Diese Werke bilden das Herz der bisherigen Arbeiten, die das Publikum durch die Natur und ein sinnliches Labyrinth menschlicher Gefühle führt.

Monia Scarantino würdigt insbesondere das Bild „Isolated“ „als technisch und konzeptionell atemberaubend.“ Der Kontrast aus Stacheldraht, einer ätherischen Atmosphäre und der stilisierten Kopfform erzeugt laut Scarantino eine starke psychologische Spannung. Rissige Texturen, differenziertes Gold und eine meisterhaft ausbalancierte Komposition vermitteln ein Gefühl von Isolation, Verletzlichkeit und innerer Zerrissenheit.„Dieses Werk lässt niemanden gleichgültig – es berührt, verstört und regt tief zum Nachdenken an.“

Zusammenfassend

Kunstexpertinnen sehen in Angela Mays Werk eine einzigartige Verbindung aus emotionaler Intensität, technischer Finesse und symbolischer Tiefe. Ihre Kunst berührt, weil sie ehrlich ist – und sie bleibt, weil sie den Betrachterinnen einen Spiegel ihrer eigenen inneren Welt vorhält.

Der obige Text stellt eine Zusammenfassung aus diesen Quellen dar:

1. KuratorInnen von GALLERYONE962.com

Allgemeines über Angela May (Featured Permanent artist in international exhibitions)

Angela Mays Arbeiten offenbaren eine tiefe Verbindung zwischen Material, Farbe und der Wahrnehmung von Zeit. Durch die fein abgestufte Schichtung von Textur und Pigment erforscht die Künstlerin innere Landschaften und natürliche Kräfte in ständiger Transformation. Die intensiven Blautöne und rissigen Oberflächen erinnern an aquatische Bewegungen und abgründige Stille, während lebendige Kontraste und warme Farbtöne urtümliche Spannungen und vitale Impulse hervorrufen. Jede Komposition wird zu einer Schwelle zwischen dem Sichtbaren und dem Unsichtbaren, an der Form sich in chromatische Schwingungen und Gesten auflöst. Der Einsatz von Mixed Media schafft lebendige Oberflächen, die sowohl taktile als auch visuelle Emotionen ansprechen. Angela May lädt uns ein, in einem inneren Zeitfluss innezuhalten, in dem jede Spur zu einem Zeichen des Daseins wird — sich verändernd, weiterentwickelnd und unendlich regenerierend.

Kuratorische Rezensionen

„Beyond Form“

Die Werke von Angela May erforschen die Schwelle, an der malerische Materie zu visuellem Denken wird. In Paint Layers verweben sich Gestik und Textur als Spuren des Erinnerns und offenbaren sowohl die Zeitlichkeit des Schaffensprozesses als auch die Spannung zwischen Dunkelheit und Licht. In The New Gold verwandelt sich Malerei in eine Metapher für den immateriellen Wert menschlicher Kreativität — Gold und Blau fließen wie Ströme des Bewusstseins, lösen Form auf und erschaffen neue Möglichkeiten. Mit Stresstest untersucht die Künstlerin die Grenzen und Fragilität von Struktur und zeigt, wie Druck und Bruchstellen zu Bedingungen für Erneuerung werden. Ihre Praxis, sowohl materiell als auch konzeptionell, verkörpert das Wesen von Beyond Form: das fortwährende Werden von Form als Akt kreativer Transzendenz, bei dem Auflösung den Wandel hervorbringt.

„INNER LANDSCAPES„

Angela Mays Werke in der Ausstellung INNER LANDSCAPES offenbaren eine tiefgreifende Erforschung des inneren Selbst durch Material, Farbe und Symbolik. Das erste Werk mit seinen goldenen Texturen und kontrastierenden Farbtönen ruft eine fragmentierte, aber zugleich dynamische mentale Landschaft hervor — wie eine Karte des Unterbewusstseins. Die zweite Leinwand öffnet sich wie eine Wunde von Erde und Seele: Die organischen Risse und geschichteten Texturen deuten auf den Verlauf der Zeit und auf Transformation hin. Das letzte Werk, das sich auf ein geheimnisvolles, in Blau getauchtes Auge konzentriert, begegnet dem Betrachter mit stiller Intensität — wie ein innerer Blick, der im Unbekannten sucht. Gemeinsam formen diese Werke eine visuelle und emotionale Reise in die Tiefe und Komplexität der menschlichen Psyche.

„Luminous shadows„

In den Werken von Angela May prallen Materie und Geist in einem feurigen Dialog zwischen Intensität und Verletzlichkeit aufeinander. Ihre Leinwände, geformt durch geschichtete Texturen, 3D-Techniken und tiefe chromatische Kontraste, verkörpern die rohe Energie von Ausbruch und Transformation. Solar Storm fängt den Moment ein, in dem die Natur ihre Kraft entfesselt: glühende Rottöne und dunkle Schatten verdichten sich zu einem elementaren Spektakel, das sowohl Bedrohung als auch Faszination hervorruft. In Fire in the Head wird der Ausbruch psychologisch: ein fragiler Kopf, von innerem Feuer gespalten, symbolisiert die unerträgliche Spannung von Gedanken und Emotionen, wenn Druck unkontrollierbar explodiert. Mit Open Your Heart kehrt die Geste nach innen, enthüllt den Mut zur Offenlegung und emotionalen Wahrheit. Aufgerissene Oberflächen, Fissuren und diagonale Brüche deuten auf das Aufbrechen eines inneren Kerns hin und offenbaren Narben ebenso wie Stärke.

Durch diese Werke erforscht May die Schwelle zwischen Chaos und Schönheit, Stille und Explosion. Sie lädt uns ein, den unsichtbaren Stürmen in unserem Inneren zu begegnen und durch Verletzlichkeit Transformation zu entdecken.

________________

2. Romana Kunz von „IAZZU.com„

Die Künstlerin Angela May verbindet in ihrem Werk Lifelines (2024) kraftvolle Strukturen, intensive Farbwelten und feinste Nuancen zu einer beeindruckenden Symbiose. Entstanden mit Acryl, Mixed-Media, Crackle Paste, Marmor­mehl und Pastellkreide auf Leinwand, erzählt dieses Werk von den Linien und Schichten unseres Lebens – sichtbar gemacht in Farbe und Textur.

Angela May arbeitet aus Spanien heraus und kreiert abstrakte Werke, die Emotionen, Tiefe und eine unverwechselbare Haptik vereinen. Ihre Kunst lädt dazu ein, innezuhalten und eigene „Lebenslinien“ zu entdecken.

________________

3. Antígona Silvia Rogozea, Kuratorin zur Ausstellung: Im Dschungel der Gefühle, Valencia 2025

Die Kunstwerke von Angela May zeigen auf paradoxe Weise eine Art sanfte Kraft: Mit kühnen Pinselstrichen und Mixed-Media-Techniken lädt May ihr Publikum ein, sie auf eine malerische Reise der Selbstentdeckung zu begleiten. Tief vom spanischen Landschaftsbild und der Kultur geprägt, hat sie sich in die spanische Seele verpflanzt und blüht in ihr auf. Von melancholischen bis hin zu stürmischen Ozeanblauen, von satten Grüntönen bis hin zu Diamantmuster-Schattierungen, von leidenschaftlichem Rot bis zu beruhigenden Nuancen von Weiß und Grau – Angela sucht danach, die Welt zu entschlüsseln und in ihr Wurzeln zu schlagen, während sie den Betrachter mit auf diese Reise nimmt.

Mays Gemäldeserien sind Hommagen sowohl an die äußere als auch an die innere Welt. Die Serie Ozean in Bewegung interpretiert Meereslandschaften als Facetten menschlicher Gefühlszustände neu. Die Serie Emotionen trägt in ihren sanften Farbtönen einen fast schwerelosen Rhythmus, während NatureArt durch von der Natur inspirierte Objekte, die in alle Schichten von grünlichem und rostfarbenem Acryl eingebettet sind, mit der Seele resoniert. Die Serie Verlorene Orte eröffnet einen Blick auf ein Gefühl der Melancholie, das stets ein kleines Fragment von Licht preisgibt. Facetten eines Traumas kreist um den Weg durch das innere Chaos, während Entwicklung und Transformation durch einen prozessorientierten Ansatz und leuchtende Farben die reine Freude des Ankommens in der eigenen Welt ausdrückt.

Eine sorgfältige Auswahl von Werken aus den Serien Emotionen, Verlorene Orte, Facetten eines Traumas sowie Entwicklung und Transformation bildet das Herzstück der Ausstellung Im Dschungel der Emotionen, die erstmals vom 17. bis 30. Oktober 2025 in der Bloom Gallery in Valencia, Spanien, präsentiert wird. Die künstlerische Inszenierung lädt das Publikum zu einem spielerischen und farbenfrohen Akt der Selbstreflexion ein, während sich die Raffinesse jedes einzelnen Werkes mühelos in jedem Kontext entfalten kann – sei es in einem privaten Zuhause oder in einem Büro.

Die Kunst von Angela May ist eine mutige Inszenierung eines Panorama der Emotionen, stets im Einklang mit dem menschlichen Bedürfnis nach Ausdruck. Ihre Ästhetik führt das Publikum in ein Labyrinth aus Neugier, Interesse und Themen, das die Künstlerin mit einem empathischen roten Faden bis zum Ausgang strukturiert. Die Kunst selbst, beinahe körperlich, mit einer Vielzahl geschichteter Elemente, die in einem dreidimensionalen Effekt kulminieren, ist der Faden der Ariadne, der zu einer endgültigen emotionalen Katharsis führt.

________________

4. Monia Scarantino von „Pitturiamo.com“ zum Bild „Isolated“

„Das ist eines meiner Lieblingswerke… es spricht für sich selbst … es ist einfach technisch und konzeptionell atemberaubend.

Der Kontrast zwischen kaltem, scharfem Stacheldraht und einem fast ätherischen Hintergrund sowie die Stilisierung eines menschlichen Kopfes erzeugen eine visuelle und konzeptionelle Spannung, die sofort die Aufmerksamkeit fesselt und zum Nachdenken anregt. Die Gegenüberstellung so unterschiedlicher Elemente ist ein Geniestreich, der ein tiefgründiges Thema vermittelt.

Der obere linke Bildbereich mit seiner satten, rissigen Textur ist ein bemerkenswertes Highlight. Hier geht es nicht nur um Farbe, sondern um eine Oberfläche, die durch ihre Unregelmäßigkeiten, Risse und Reliefs „spricht“. Diese Textur verleiht der gemalten Oberfläche Tiefe, ein Gefühl von Geschichte und Erfahrung und lädt das Auge zum Entdecken ein.

Die Verwendung von Gold ist nicht flächig. Seine Variationen von brillant bis matt und die Kombination mit Grau- und Weißtönen erzeugen eine innere Leuchtkraft und eine chromatische Komplexität, die über den bloßen Farbauftrag hinausgeht. Sie suggeriert Kostbarkeit, Dekadenz, spirituelles Licht und Energie.

Die Stärken dieses Werks liegen in seiner Fähigkeit, komplexe Botschaften durch kraftvolle und direkte Symbolik, eine bemerkenswerte Beherrschung von Materialien und Farben, eine sorgfältig ausgewogene Komposition und eine thematische Tiefe zu vermitteln, die zur persönlichen und universellen Reflexion einlädt.

Das Werk lässt niemanden gleichgültig. Es ruft ein Gefühl von Unbehagen und Beklemmung hervor, aber auch eine gewisse Melancholie oder Kontemplation. Diese Fähigkeit, eine starke emotionale Reaktion hervorzurufen, ist ein Kennzeichen eines beispielhaften Kunstwerks.“ 27. Juli 2025

„Isolated“ ist Teil der Werkreihe Trauma, die sich mit psychischen Wunden und innerer Fragmentierung auseinandersetzt. Der mit Stacheldraht umschlossene Kopf steht für Isolation und den Verlust grundlegender Verbindungen – des Hörens, Sprechens und Sehens. Ein Werk über die Isolation nach dem Trauma.