Resumen

Críticas y comisarias describen las obras de Angela May como una poderosa unión de emoción, textura y transformación interior. Su arte hace visible lo que a menudo permanece oculto: paisajes internos, estados emocionales profundos y las fracturas silenciosas del alma humana.

Con sus superficies estratificadas de mixed media, colores intensos y fuertes contrastes, May crea obras que se equilibran entre caos y belleza, quietud y explosión. Numerosas voces destacan su capacidad para traducir emociones complejas en experiencias visuales y táctiles que invitan a la pausa y a la autorreflexión.

Críticas y voces curatoriales

Comisarias y expertos ven en la obra de May un diálogo entre materia y espíritu: un arte que hace palpable la transformación y la vulnerabilidad. La artista está profundamente enraizada en la cultura española, algo visible en sus mundos de luz y color, fuente central de inspiración de sus series:

• Ocean in Motion – paisajes marinos como reflejo del estado emocional
• NatureArt – fragmentos naturales integrados en capas de acrílico terroso
• Emociones – armonías cromáticas suspendidas, casi ingrávidas
• Lugares Perdidos – melancolía iluminada por un sutil destello
• Trauma – heridas psicológicas y fragmentación interior
• Desarrollo y Transformación – evolución expresada en color y proceso

Estas obras conforman el núcleo de su trayectoria, guiando al público a través de la naturaleza y de un laberinto sensorial de emociones humanas.

Monia Scarantino sobre “Isolated”

La crítica de arte Monia Scarantino destaca especialmente la obra Isolated, calificándola de:

“técnicamente y conceptualmente impresionante”.

El contraste entre el alambre de espino frío, un fondo etéreo y la forma estilizada de una cabeza genera, según Scarantino, una fuerte tensión psicológica. Texturas agrietadas, matices dorados y una composición magistralmente equilibrada transmiten aislamiento, vulnerabilidad y fractura interior.

“Esta obra no deja a nadie indiferente — conmueve, inquieta y provoca una profunda reflexión.”

En resumen

Expertas y expertos en arte ven en la obra de Angela May una combinación única de intensidad emocional, maestría técnica y profundidad simbólica. Su arte conmueve porque es honesto — y perdura porque ofrece al espectador un espejo de su propio mundo interior.

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Fuentes de las que se ha extraído este resumen

1. Comisariado de GALLERYONE962.com

Las obras de Angela May revelan una profunda conexión entre materia, color y la percepción del tiempo. A través de capas de textura y pigmento, explora paisajes internos y fuerzas naturales en constante transformación. Azules intensos, superficies agrietadas y contrastes vibrantes evocan movimiento acuático, silencio abismal y un pulso vital. Cada obra se convierte en un umbral entre lo visible y lo invisible, donde la forma se disuelve en gesto y vibración cromática. Su práctica material y conceptual encarna el espíritu de Beyond Form: el devenir constante de la forma como acto de trascendencia creativa.

INNER LANDSCAPES
La exposición revela una exploración profunda del yo interior mediante materialidad, color y simbolismo. Desde texturas doradas hasta un ojo sumergido en azul, las obras trazan una viaje visual y emocional hacia la complejidad de la psique humana.

Luminous Shadows
Aquí, materia y espíritu chocan en un diálogo de intensidad y vulnerabilidad. Obras como Solar Storm, Fire in the Head u Open Your Heart muestran estallidos naturales, fracturas psicológicas y la valentía emocional de abrir el corazón. May invita a enfrentarse a las tormentas invisibles del interior y descubrir la transformación a través de la vulnerabilidad.

2. Romana Kunz (IAZZU.com)

En Lifelines (2024), la artista combina estructuras potentes, mundos cromáticos intensos y delicados matices. La obra habla de las líneas y capas de la vida, reveladas a través de textura y color. Desde España, May crea piezas abstractas llenas de emoción, profundidad y una fuerte presencia táctil que invita a redescubrir las propias “líneas vitales”.

3. Antígona Silvia Rogozea, comisaria — “En la jungla de las emociones”, Valencia 2025

Las obras de Angela May muestran, de manera paradójica, una especie de fuerza suave: con pinceladas audaces y técnicas mixtas, May invita a su público a acompañarla en un viaje pictórico de autodescubrimiento. Profundamente influenciada por el paisaje y la cultura española, se ha arraigado en el alma de España y florece en ella. Desde azules oceánicos —melancólicos o tempestuosos— hasta verdes intensos, pasando por matices en forma de diamante, rojos apasionados y tonos calmados de blanco y gris, Angela busca descifrar el mundo y echar raíces en él, mientras lleva al espectador consigo en este viaje.

Las series pictóricas de May son homenajes tanto al mundo exterior como al interior. La serie Oceán en Movimientoreinterpreta paisajes marinos como facetas de estados emocionales humanos. La serie Emociones despliega un ritmo casi ingrávido en sus suaves tonalidades, mientras que NatureArt resuena con el alma a través de objetos inspirados en la naturaleza, incrustados en capas de acrílico verdoso y rojizo. La serie Lugares Perdidos ofrece una mirada a un sentimiento de melancolía que siempre revela un pequeño fragmento de luz. Facetas de un Trauma gira en torno al camino a través del caos interior, mientras que Desarrollo y Transformación, mediante un enfoque procesual y colores luminosos, expresa la pura alegría de llegar a la propia esencia.

Una cuidadosa selección de obras provenientes de las series Emociones, Lugares Perdidos, Facetas de un Trauma y Desarrollo y Transformación constituye el corazón de la exposición En la selva de las emociones, presentada por primera vez del 17 al 30 de octubre de 2025 en la Bloom Gallery de Valencia, España. La puesta en escena invita al público a un acto lúdico y colorido de autorreflexión, mientras que la sofisticación de cada obra se despliega con facilidad en cualquier contexto —ya sea en un hogar privado o en un espacio de trabajo.

El arte de Angela May es una puesta en escena valiente de un panorama emocional, siempre en sintonía con la necesidad humana de expresión. Su estética conduce al público a un laberinto de curiosidad, interés y significado, que la artista estructura con un hilo rojo empático hasta la salida. El arte mismo —casi corporal—, con su multitud de elementos estratificados que culminan en un efecto tridimensional, es el hilo de Ariadna que conduce a una catarsis emocional final.

4. Monia Scarantino (PitturiAmo.com) sobre “Isolated”

“Es una de mis obras favoritas… habla por sí misma. Es simplemente impresionante, tanto técnica como conceptualmente.
El contraste entre el alambre de espino frío y afilado y un fondo casi etéreo, junto con la estilización de una cabeza humana, crea una tensión visual y conceptual que capta la atención de inmediato e invita a la reflexión. La yuxtaposición de elementos tan distintos es un golpe de genialidad que transmite un tema profundamente significativo.

La zona superior izquierda, con su textura rica y agrietada, es un punto culminante excepcional. Aquí no se trata solo de color, sino de una superficie que “habla” a través de sus irregularidades, fisuras y relieves. Esta textura aporta profundidad, una sensación de historia y experiencia, y invita al ojo a explorar.

El uso del oro no es uniforme. Sus variaciones —de brillante a mate— combinadas con tonos grises y blancos generan una luminosidad interior y una complejidad cromática que van mucho más allá de la simple aplicación de color. Sugiere preciosidad, decadencia, luz espiritual y energía.

La fuerza de esta obra reside en su capacidad para transmitir mensajes complejos mediante una simbolización poderosa y directa, un dominio notable de materiales y colores, una composición equilibrada con precisión y una profundidad temática que invita tanto a la reflexión personal como universal.

Esta obra no deja a nadie indiferente. Provoca una sensación de inquietud y opresión, pero también cierta melancolía o contemplación. Esta capacidad de despertar una reacción emocional intensa es el sello distintivo de una obra ejemplar.” 27 de julio de 2025

“Isolated” forma parte de la serie Trauma, que aborda las heridas psicológicas y la fragmentación interior. La cabeza rodeada de alambre de espino simboliza el aislamiento y la pérdida de conexiones esenciales —oír, hablar, ver—. Una obra que explora la soledad profunda tras el trauma.